Il Canto Nobile – Concerto Soave

« Concerto Soave, référence désormais incontournable dans le réveil d’un paysage baroque tout ensemble tendu, virtuose, intimiste ». Roger Tellart, Classica.

Né de la rencontre de María Cristina Kiehr et de Jean-Marc Aymes, Concerto Soave est un ensemble de musique baroque, cultivant un esprit poétique et sonore totalement unique.

Des solistes reconnus venant des quatre coins de l’Europe explorent le répertoire italien du seicento, mais également bien au-delà, jusqu’à la création contemporaine et aux collaborations diverses (danse, théâtre, déclamation…).

Invité par les plus grands festivals (Aix-en-Provence, Ambronay, Saintes, Utrecht, Innsbruck…), l’ensemble a réalisé plus de cinq cents concerts à travers le monde, de Londres à Washington, de Jérusalem à Rome, de Vienne à Madrid. Des enregistrements prestigieux pour l’Empreinte Digitale, Harmonia Mundi, le Label Ambronay ou Zig-Zag Territoires consacrent « le statut hors normes de l’Argentine comme diva baroque et la singulière maîtrise technique de Concerto Soave. » (Roger Tellart).

Ensemble à rayonnement international, Concerto Soave a fait de Marseille son port d’attache depuis 2007.

Le répertoire de la monodie accompagnée (les nuove musiche) est étroitement lié à la musique de la noblesse. En effet, la société de cour, alors que l’opéra commence à peine d’éclore, place le chant monodique avec accompagnement instrumental (un ou plusieurs instruments capables de réaliser des accords d’harmonie) au-dessus de toutes les formes d’expression musicale et la considère comme la production la plus novatrice et la plus raffinée des répertoires musico-poétiques.

La monodie récitative est en effet, au tournant du XVII^e siècle, l’apanage de la noblesse. Elle est destinée à être montrée lors des événements publics ou privés qui rythment la sociabilité princière. Les princes italiens se disputent alors les chanteurs virtuoses (Adriana Basile, Francesco Rasi, Vittoria Archilei, Francesca Caccini…) et favorisent la circulation des techniques de composition. Le développement de cette nouvelle manière de chanter, grâce au mécénat princier, a transformé à la fois l’espace sonore et l’espace social. La monodie est donc un phénomène culturel et social qui marque durablement l’histoire de la musique en Europe et provoque un changement radical de la perception et de l’expérience musicales.

Le madrigal pour voix soliste partage avec le madrigal polyphonique la volonté de structurer l’art musical comme un art de la parole, dans le but de faire éprouver à l’auditeur tous les sentiments du texte poétique. Ce nouveau style vocal contribue à la transformation des procédés de composition, de l’écriture musicale et des habitudes d’écoute, ainsi qu’à la construction d’un nouveau discours musical. Rendre intelligible le texte chanté, dans un corps à corps direct avec l’auditeur, produit une nouvelle perception temporelle (plus dilatée) des paroles, de la musique et de l’harmonie et permet une plus grande variété stylistique qui correspond à une polyvalence littéraire.

L’architecture sonore de ces « nouvelles musiques », fondée sur le déploiement efficace d’une ligne vocale rehaussée par l’expressivité d’une basse harmonique, possède donc une puissance expressive propre qui recherche le plaisir musical (une douceur qui charme l’oreille) : chant de la noblesse et noblesse du chant se font signe.

Jacopo Peri (1561-1633), chanteur, musicien et compositeur de la cour de Florence, était l’un des compositeurs les plus actifs de son temps ainsi que l’un des protagonistes de la première heure de la monodie accompagnée. Il a composé la musique du premier drame entièrement chanté (l’Euridice) dont la partition (1601) a été conservée, pour les noces de Marie de Médicis et Henri IV à Florence en 1600.

Peri, qui entretenait des rapports étroits avec plusieurs personnages nobles comme le cardinal Charles de Médicis ou le duc Ferdinand Gonzague de Mantoue, se désigne lui-même, dans le frontispice de son Euridice, comme « noble florentin ». Le style récitatif de Peri, qui inspira Monteverdi pour son Orfeo de 1607, recherche dans la déclamation vocale une forme intermédiaire entre le « parler ordinaire » et « le mélodisme du chant ». C’est ce que montrent les six monodies ici enregistrées, issues de ses Varie musiche (1609/1619) : le duo O core infiammato ; Solitario augellino (où la ligne vocale présente quelques dissonances expressives avec la basse) ; Se tu parti da me (série de variations strophiques qui combine récitatif et air, dont la musique avait déjà été utilisée en 1608 pour le chœur final du Jugement de Pâris, représenté pour le mariage de Côme de Médicis et Marie-Madeleine d’Autriche) ; Bellissima regina (air strophique avec ritournelle, en rythme ternaire, au profil mélodique gracieux) et Con sorrisi cortesi (duo dans un style de canzonetta qui alterne rythme binaire et ternaire).

Nous trouvons, parmi les cinq autres monodies enregistrées, issues de différents manuscrits, les splendides Tu dormi e ‘l dolce sonno et Occhi, fonti del core, qui retrouvent la fluidité du discours du livre de 1609, mais avec un langage harmonique plus riche et une ligne mélodique plus morcelée ; la brève lamentation d’Iole abandonné par Alcide (Uccidimi dolore), dont le poème a été écrit pour un opéra qui n’a jamais été représenté ; Torna, deh torna, dont la musique, utilisée pour la Mascherata di ninfe di Sienna de 1611, est la réélaboration d’une pièce de la Dafne de 1608 et le duo Intenerite voi.

Sigismondo D’India (c. 1582-1629), poète, chanteur, joueur de théorbe et compositeur, a mené une extraordinaire carrière de musicien-courtisan. D’India aurait pu naître à Naples, au sein d’une famille de la petite noblesse palermitaine installée dans cette ville au milieu du xvi^e siècle (d’où le titre de « noble palermitain »).

Le musicien se déplace vers le Nord de l’Italie à partir de 1600 : il se rend à Florence (où il a probablement assisté à la représentation de l’Euridice) puis à Ferrare et à Milan. C’est dans cette ville qu’il publie, en 1609, son Premier livre de monodies accompagnées qu’il dédie au duc Farnèse. Il séjourne également, dans ces années-là, dans la Ville éternelle, où il est « l’élève des chanteurs de Rome », parmi lesquels le célèbre Giulio Caccini.

D’India est engagé à Turin comme « Maître de la musique de la Chambre » du duc Charles-Emmanuel de Savoie en avril 1611, fonction qu’il occupe pendant douze ans. C’est durant cette période que le compositeur publie trois autres livres de monodies (1615, 1618, 1621). Il quitte la cour de Turin peu de temps avant le mois de juin 1623, date de publication de son Cinquième livre de monodies, et se rend à Rome à la demande du cardinal Maurice de Savoie dont il devient le gentilhomme. C’est aussi grâce au cardinal que le musicien obtient, deux ans plus tôt, le titre nobiliaire de Chevalier de Saint-Marc à Venise.

Le parcours géographique du musicien, du Sud vers l’Italie du Nord en passant par Rome, coïncide avec celui de la monodie accompagnée. Les musiciens des villes où le compositeur a séjourné adoptent au même moment les nouveautés qu’il apporte à ce genre vocal et contribuent à leur diffusion.

Le style audacieux et novateur de D’India est le fruit d’une dramaturgie des mots qui le poussent à transformer en profondeur les tendances musicales de son temps. D’India est proche de Peri dans sa conception de l’imitation prosodique qui mêle chant et déclamation, mais il le dépasse par une vocalité plus sophistiquée, sans cesse perturbée par l’expression, et par une ornementation mélodique toute personnelle. Le musicien peut être considéré à la fois comme un pionnier (au même titre que Peri et Caccini) de la composition et de l’interprétation de la musique monodique, comme l’un de ses plus éminents défenseurs et comme un modèle pour les continuateurs.

Le présent enregistrement montre l’éclectisme stylistique de ses cinq livres de monodies à une et deux voix avec basse continue : le monologue dramatique (la lamentation de Jason – sur un poème de D’India lui-même – qui s’inspire de certains procédés dramaturgiques de la Lamentation d’Ariane de Monteverdi) ; les formes narratives et représentatives (le nostalgique monologue O Primavera et Cruda Amarilli – tous deux extraits du Pastor fido de Giovanni Battista Guarini –, pièce qui est l’une des premières monodies de ce célèbre poème) ; le chant monodique orné (E pur tu parti, sur un poème de Giacomo Castellani, et Tu parti, ahi lasso, sur un poème de Giambattista Marino – poète de prédilection du compositeur) ; l’air strophique (Piangono al pianger mio, composé sur la basse de la Romanesca, et Dove potrò mai gir tanto lontano, sur l’air de Ruggiero) ; le style récitatif (Amico hai vinto, scène de la mort de Clorinde, issue de la Jérusalem délivrée du Tasse) et l’air à deux voix (le dialogue Chi nudrisce tua speme – sur un poème de Gabriello Chiabrera – et le duo Langue al vostro languir – sur un madrigal de Guarini).

Jorge Morales

Qui n’a jamais rêvé de s’immiscer à la cour des Médicis ou du Duc de Savoie en ce début du XVIIe siècle italien qui a connu l’un des plus fantastiques bouleversements de l’histoire de la musique et des arts en Occident ? Qui n’a jamais rêvé de faire partie de cette noble élite écoutant, savourant, commentant en se pâmant les dernières œuvres de Jacopo ou Sigismondo, maîtres du nouvel art de la monodie accompagnée ? L’essence de leur art est noble, non seulement à cause de leur propre ascendance (casuelle), mais surtout grâce à leur exigence. Leur « manière » est unique, ce décalage incessant et pourtant si maîtrisé et expressif entre une ligne de chant totalement libre et soumise à l’expression de la parole poétique, et une harmonie qui suit imperturbablement sa logique naturelle. Le style de Peri est plus lapidaire, celui de Sigismondo reprend, à sa façon, les stravanganze harmoniques et les chromatismes de Gesualdo : d’India sera un des derniers grands « polyphonistes ».

L’opéra vient certes de naître. Peri, Il Zazzerino, chanteur lui-même, en est un des artisans. Sigismondo aussi, bien qu’il participe surtout aux grands intermèdes hérités du siècle précédent. Mais c’est avant tout dans les petites formes, madrigali monodiques, lamenti, duetti, que s’invente et se construit la nouvelle musique. On y cherche l’expression la plus juste du sens de la parole, on veut émouvoir, plaire et instruire avec un matériau encore vierge qui révèle petit-à-petit toute sa puissance émotionnelle et son éloquence. L’ornementation, bien sûr, y tient une place importante, mais non centrale. Tout doit être au service de la poésie de Pétrarque, du Tasse, de Rinuccini, de Guarini … Le chant et son accompagnement se doivent entièrement à cette sobriété grâce à laquelle la parole peut librement s’envoler et toucher au cœur de l’âme. Monteverdi avait créé un précédent avec son Arianna. La Iole de Peri ou le Giasone de d’India n’ont rien à envier à leur ainée. Et même lorsqu’il s’adonne à la canzonetta, ou au duetto, nos deux compositeurs ne défont jamais de leur raffinement et de leur liberté.

Par cette nouvelle récolte de « fleurs musicales », nous espérons ainsi contribuer à remettre à leur juste place deux artisans incontournables de la révolution du « nouveau style », et pouvoir toucher l’auditeur comme nous sommes nous-mêmes touchés depuis longtemps dès que nous abordons cette musique.

Jean-Marc Aymes